클래식 기타에 대해 알아야 할 모든 것

가장 대중적인 악기 중 하나가 기타라고 해도 과언이 아닙니다. 저녁에 친구와 함께 불 옆에 앉아 기타 선율을 즐기며 명곡을 따라 부르는 사람은 흔치 않습니다.

악기의 이름은 "네 줄"을 의미하는 산스크리트어 "kutur"에서 유래했습니다. 기타의 첫 번째 아날로그의 출현은 기원전 약 2500년 전 고대 동양 시대에 기인합니다. 그것들은 속이 비어 있고 둥근 물체였으며, 대부분은 나무, 시든 조롱박, 거북 껍데기로 만들어졌습니다.

점차적으로 이러한 장치의 구조는 새로운 형태를 개발하고 획득했습니다. 기타는 13세기 스페인에서 널리 보급되기 시작했습니다. 그런 다음 악기는 타원형과 다소 날카로운 소리를 가졌습니다. 현대 클래식 기타와 더 유사한 6현 프로토타입은 16세기에 처음 등장했습니다.한 세기 후, 기타는 엄청난 인기를 얻었습니다. 이 악기 연주에 대한 첫 번째 지침도 발표되었습니다.

기타 클래식을 악기의 다른 아종과 혼동하지 않으려면 그 기능과 구별되는 속성에주의를 기울여야합니다.

• 소리 증폭은 나무 케이스로 인해 독점적으로 발생합니다. 콘서트 홀의 넓은 지역과 거리에서 사운드를 증폭하기 위해 기타리스트는 마이크를 사용하거나 픽업으로 연주합니다.
• 디자인을 수정하고 보완하려는 시도가 많았음에도 불구하고 클래식 기타는 6현으로 유지되었습니다. 문자열로 보완된 모델은 널리 사용되지 않았습니다.
• 클래식 변주에서 지판의 너비는 이 악기의 다른 유형보다 넓습니다. 게임에 대한 비용이 조금 더 들기 때문입니다. 반면 현은 지판을 누르기가 더 쉽습니다. 현재로서는 좁은 목으로 수정 사항을 찾을 수 있지만 게임 중에 더 자유롭게 움직일 수 있습니다.
• 일반 기타에는 12개의 프렛이 있고 다른 유형에는 14개의 프렛이 있습니다.
• 이 경우 사운드 증폭기는 사용되지 않습니다.
• 도구의 무게는 거의 전적으로 도구를 만드는 나무의 유형에 따라 다릅니다. 그러나 무게가 4kg을 넘는 기타는 거의 볼 수 없습니다.

클래식 기타는 여러 유형으로 나뉩니다. 아래는 각각에 대한 일반적인 설명입니다.

이름에서 이러한 유형의 도구가 합판으로 만들어짐이 분명해집니다. 겉으로 보기에는 클래식 기타처럼 보이지만 사실 그런 모델은 클래식 기타를 마스터하는 첫 단계에 불과합니다. 저렴한 비용과 해당 품질이 특징입니다. 그러나 그녀의 몸은 꽤 강하다. 모든 것에서 우리는 기타 연주의 기본을 마스터하기 위해 그러한 기타가 좋고 동시에 값싼 조수가 될 것이라고 결론을 내릴 수 있습니다.

이러한 도구에서 바닥과 껍질도 합판으로 만들어집니다. 차이점은 단단한 나무 판으로 만든 데크에서 시작됩니다. 기본적으로 가문비 나무 또는 삼나무가 사용되어 전체 사운드가 크게 바뀌고 음색이 부드러워집니다. 음악가들은 그러한 장치를 음유시인 기타라고 불렀습니다. 일반적으로 아마추어 공연과 프로 연주 모두에 적합합니다.

이 분류의 모델은 정확하고 순종적인 목재의 신중한 선택과 길고 상세한 제조로 인해 이미 전문 도구로 간주됩니다. 주요 재료(목재)는 다단계 경로를 거칩니다. 먼저 선별된 목재 조각을 특수실에 몇 년 동안 보관하여 자연 건조합니다. 이 기간 동안 나무 내부에서 일어나는 과정이 기타의 음향적 특성과 특성을 결정합니다. 다음으로 재료가 노출됩니다. 시간이 오래 걸릴수록 재료의 가치가 높아지고 따라서 기타 자체가 고려됩니다. 이러한 복잡한 수작업에는 상당한 비용을 지불해야 합니다. 그러나 믿을 수 없을 정도로 높은 품질의 사운드는 확실히 그만한 가치가 있습니다.

기타는 특정 유형 외에도 크기별로 분류됩니다. 치수는 개인의 선호도에 적합한 모델을 선택하는 데 매우 중요합니다. 또한 기타의 크기는 연주되는 멜로디의 전체 사운드에 영향을 줍니다. 기타 크기는 일반적으로 다음과 같이 나뉩니다.

• 1/2;
• 1/4;
• 3/4;
• 7/8;
• 4/4.

각 값에는 특정 길이가 있습니다. 예를 들어, 1/2 기타의 길이는 86cm이고 특별한 계산을 통해 개인에게 가장 적합한 악기 길이를 이해할 수 있습니다. 1/2 도구의 동일한 매개 변수는 키가 135cm인 어린이에게 탁월한 옵션이 될 것입니다. 4/4 사이즈가 기본입니다.

오늘날 전 세계적으로 수백 개의 클래식 기타 제조업체가 있습니다. 초보자는 방대한 도구 모음에서 쉽게 혼동될 수 있습니다. 아마도 검색을 용이하게 하기 위해 가장 인기 있고 자주 구매하는 모델을 자세히 살펴보는 것이 좋습니다.

이 모델은 초보자 음악가를 대상으로 합니다. 고품질 소재, 열린 모공 및 매력적인 마무리가 특징입니다. 페그 메커니즘은 니켈 도금 처리되어 있습니다.

베이스우드를 사용한 구조와 합리적인 가격으로 맑고 균형 잡힌 사운드를 제공하는 기타입니다. 초보자와 아마추어에게 가장 적합합니다.

픽업을 추가하지 않은 일반 6현 기타처럼 보입니다. 사용자는 좋은 사운드 리턴, 쾌적한 배음 및 전체 범위의 조화로운 사운드를 강조합니다. 이 모델은 다양한 디자인 스타일에서 찾을 수 있으며 아름다움과 품질의 통일성을 사랑하는 사람들을 기쁘게 할 수 있습니다.

풀 사이즈 기타는 고품질 재료로 제작됩니다.게임을 할 때 장치가 편안하게 느껴지고 소리가 너무 크지도 않고 너무 조용하지도 않습니다. 어쿠스틱 특성은 가문비나무와 혼합된 목재로 만든 상판으로 향상되었습니다. 비용이 저렴합니다.

모델은 초보 연주자의 기대에 따라 만들어졌습니다. 그러나 이 악기는 숙련된 음악가에게도 적합합니다. 바디는 아프리칸 마호가니로 제작되었으며 고광택 마감으로 마감되었습니다.

기타 연주를 배우기 전에 악기의 구성 요소 이름을 이해하고 기능을 공부해야 합니다. 클래식 기타는 넥, 바디, 현과 같은 기본 부품으로 구성됩니다.

본체는 후면, 전면 또는 상단 데크, 두 개의 쉘의 네 부분으로 구성됩니다. 상부에 위치한 데크는 특성과 음질에 큰 영향을 미칩니다. 중앙 부분에는 로제트라고 하는 원처럼 구멍이 뚫려 있습니다. 쉘은 전체 구조를 형성하기 위해 데크를 연결하는 측면 조각입니다.

스트링도 다릅니다. 금속 끈, 나일론 및 탄소 코팅 옵션이 있습니다. 이미 언급했듯이 목은 일반적으로 삼나무, 가문비나무 또는 마호가니로 만들어집니다. 상부는 편평하고 상부는 반원형이다. 목은 용골로 몸에 부착되어 있습니다.

이제 모든 음반 매장은 저렴한 클래식 기타부터 값비싼 전문 악기에 이르기까지 다양한 종류의 클래식 기타를 선보입니다. 음악 초보자가 이러한 다양한 선택에 대해 혼동하는 것은 매우 쉽습니다. 실수하지 않고 올바른 모델을 선택하려면 장치의 모든 세부 사항을 검사해야 합니다. 다음은 초보자를 위한 몇 가지 팁입니다.

첫 번째 단계는 기타에 결함이 있는지 검사하는 것입니다. 걸림, 긁힘 또는 충돌이 없어야 합니다. 목은 절대적으로 평평해야 하고 몸의 목질 섬유는 일직선이어야 합니다. 프렛은 서로 평행합니다. 페그 메커니즘은 걸림 현상과 크런치 없이 부드럽게 회전합니다. 정밀한 외부 검사를 거친 후 사운드 테스트를 진행할 수 있습니다.

음질은 음색, 음역의 균형, 순도의 세 가지 매개변수로 판단됩니다. 음색은 각 현의 소리를 확인하여 결정됩니다. 또한 약간의 멜로디를 연주해야 합니다.

클래식 기타에서 사운드 선명도는 중요한 역할을 합니다. 게임 중에 배음과 배경 에코가 발견되면 선택한 모델을 포기하는 것이 좋습니다. 또한 첫 번째 단계에서 사용하기 편리한 도구를 선택하는 것이 중요합니다. 즉, 구매하기 전에 잠시 기타를 손에 들고 연주하는 동안 편안함을 느끼는지 확인해야 합니다.

적합한 모델을 선택한 후에도 기타 튜닝 문제는 아직 끝나지 않았습니다. 음반 매장에서는 고객이 악기를 즉시 튜닝하는 것이 일반적입니다. 그러나 기타가 예기치 않게 튜닝되지 않는 경우가 종종 있습니다. 전문 기타 튜닝 장소에 가는 것은 셀프 서비스보다 훨씬 더 많은 시간이 걸립니다.

그래서, 기타의 소리를 제어하는 ​​방법에는 여러 가지가 있습니다. 첫 번째 - 기존 버전에는 귀로 튜닝이 포함됩니다.왼손은 모든 현 중에서 가장 얇은 첫 번째 줄의 못을 잡습니다. 이때 오른쪽이 현에서 소리를 추출하기 시작합니다.

다음으로 다른 문자열과 유사한 작업을 수행해야 합니다. 다섯 번째 프렛의 두 번째 현은 첫 번째 열린 현처럼 들립니다. 세 번째는 두 번째 오픈과 같은 방식으로 네 번째 프렛에 있습니다. 나머지는 정확히 같은 방식으로 구성됩니다. 두 번째 방법은 바람 소리굽쇠를 이용한 튜닝입니다. 세 번째 방법은 기타 튜너를 사용하는 것입니다. 장비는 시끄러운 홀에서 소리를 포착하는 것이 거의 불가능한 공연 중 특히 없어서는 안될 필수품이 됩니다.

기타 연주의 기존 기술을 마스터하기 시작하기 전에 스케일을 공부하는 데 시간을 할애할 가치가 있습니다. 이것은 전문적인 멜로디 연주와 자신의 작품 구성으로 가는 길에 견고한 토대를 구축하는 데 도움이 될 것입니다.

현존하는 가장 널리 사용되는 기술. 그것은 현을 따라 왼손의 손가락을 미끄러지는 것으로 구성됩니다. 소리는 유쾌하고 선율적입니다. 실행 프로세스에는 일시 중지가 없습니다.

이 기법을 실행하는 동안 음표는 길고 약간 떨리는 것처럼 들립니다. 기본적으로 이 기법은 첫 번째 현에 사용되어 구성을 더 밝고 풍부하게 만듭니다. 모든 손가락으로 비브라토를 만들 수 있으면 더 좋지만 대부분 중지로 연주합니다. 속도를 조정할 수 있습니다.

수신은 소리의 빈번한 반복으로 구성됩니다.동시에 4개의 손가락이 게임에 참여합니다. 엄지손가락은 베이스를 제공하고 나머지 세 손가락은 번갈아가며 트레몰로를 직접 수행합니다.

연주하는 동안 손가락이나 여러 손가락으로 현을 당기는 기술을 쉽게 추측할 수 있습니다. 이 기술은 멜로디가 높은 음으로 이동하도록 오름차순으로 수행하고 음조를 낮은 주파수로 이동하기 위해 내림차순으로 수행할 수 있습니다.

핑거플럭으로 소리를 뽑아내는 특이한 기법이다. 그 결과 희미하지만 명확하게 구별되는 소리가 납니다. 이 모노 사운드를 얻으려면 오른쪽 손바닥의 바깥 부분이 브리지 바로 앞의 현에 눌러져야 합니다. 동시에 스트링 스레드는 최대 출력으로 소리를 낼 수 없습니다. 모든 메모는 엄지손가락으로만 기록됩니다.

이 기술은 악기의 공명을 향상시킵니다. 최대의 효과를 얻으려면 열린 스트링에서 수행해야 합니다. 따라서 메모의 지속 시간이 더 길어집니다. 그러나 모든 음표 시퀀스를 이 스타일로 연주할 수 있는 것은 아닙니다.

이 기술은 한 번에 하나 또는 여러 개의 현을 독특한 음색으로 튜닝하여 수행됩니다. 그의 공연에서 불협화음의 사용은 영국 작곡가 John Dowland로 유명했습니다. 인터넷에서 이 기술의 다양한 종류를 찾을 수 있습니다. 경험을 쌓으면서 음악가는 종종 자신의 발전을 발전시킵니다.

19세기 이후 색조에 대한 관심이 높아짐에 따라 위의 효과가 전체는 아니더라도 많은 음악 작품에서 널리 퍼졌습니다. 스페인어로 "tambor"는 "드럼"을 의미합니다. 따라서, 이 연주 기법은 현에 대한 명확한 타격을 사용하여 소리를 얻는 것을 제공합니다. 스트라이크는 주로 엄지손가락의 왼쪽 가장자리를 사용하여 수행됩니다. 이 조작은 스탠드에서 약 2-3cm 떨어진 곳에서 연주하면 가장 큰 효과를 볼 수 있습니다. 이 연주의 소리는 북을 치는 것과 같이 성급하고 측정됩니다.

주어진 연주 기법은 1881년부터 1945년까지 살았던 헝가리 연주자 벨라 바르톡의 이름을 따서 명명되었습니다. 연주할 때 손가락으로 기타에서 현을 떼어낸 후 빠르게 풀어서 피어싱 링과 함께 목을 두드립니다. 이 조작의 특이성은 음표가 자체적으로 그늘을 남긴다는 것입니다. 이것은 전체 음악 프레이즈가 위의 기술을 사용하여 연주된다는 것을 의미합니다. 이러한 기술은 사운드에 추가 색상을 부여하는 장치의 금속 프렛 덕분에 기타 멜로디를 포함한 현 연주에 가장 큰 영향을 미칩니다. 이 기법을 사용한 음표는 매우 독특한 소리를 낸다는 사실에 근거하여 이 기법의 사용은 사전에 동의해야 합니다.