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음악에 관심이 있다면 아코디언에 대한 모든 것, 그것이 무엇인지, 다른 악기와 어떻게 다른지 알아야 합니다. 러시아 핸드 하모니카 탈얀카 및 기타 유형은 피아노, 바이올린 또는 기타만큼 주의를 기울일 가치가 있습니다. 이 악기의 소리는 아주 좋은데 2줄 아코디언과 1줄 아코디언의 차이점인 튜닝의 특성을 고려해야 합니다.

"아코디언"이라는 용어는 일상적입니다. 공식적으로 이 휴대용 악기를 하모니카라고 합니다. 그것은 혀 그룹에 속합니다. 이러한 분류는 소리를 생성하기 위해 금속으로 만들어진 특수 미끄러지는 "혀"의 사용과 관련이 있습니다. 진동은 벨로우즈에 의해 생성된 공기 흐름에 의해 생성됩니다. 고조파에는 몇 가지 종류가 있지만 이에 대해서는 별도로 논의해야 합니다.

그러한 악기의 특징은 온음계입니다. 아코디언은 간단해 보입니다. 키보드가 그 위에 설치되어 있고 악기 자체가 잘 늘어납니다. 기술적으로 유사한 제품은 두 개의 하프 쉘(키가 들어 있는)로 구성됩니다. 그들 사이에는 같은 모피가 있습니다.

아코디언 제작 버전은 매우 다양합니다. Ivan Sizov 덕분에 등장했다는 언급을 종종 찾을 수 있습니다. 1830년 그는 우리나라에서 처음으로 그러한 악기를 만들기 시작했습니다. 그러나 리버스 시스템으로 전환 한 후에야 러시아 아코디언에 전형적인 특정 사운드를 얻을 수있었습니다. 19세기 중반까지 툴라에는 6개의 큰 공장과 artels가 일하는 많은 작은 작업장이 있었습니다.

점차적으로 많은 지역 전통과 뉘앙스가 나타났습니다. 그리고 어디에서나 그들은 다른 곳과 같지 않은 자신의 악기를 만들었습니다. 약간의 구식에도 불구하고 그들은 21세기 오늘날에도 여전히 하모니카를 연주합니다. 그러나 그것이 러시아에서 발명되었다는 의견은 잘못되었습니다. 발명가의 정확한 이름은 확립되지 않을 것입니다.

동시에, 아코디언의 초기 프로토타입인 휴대용 오르간이 18세기에 이미 알려져 있었다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 하는 것으로도 알려져 있다 현대 모델에 가까운 첫 번째 악기는 1812년 Friedrich Buschmann에 의해 도입되었습니다. 실제로 혀에 공기를 공급하기 위해 모피를 적응시킨 사람은 바로 그 사람이었습니다. 그러나 그러한 디자인의 성능 가능성은 제한적이었습니다.

1829년 비엔나에서 Cyril Demian이 결정적인 조치를 취한 것으로 보입니다. 몸을 나누고 그 부분을 모피로 연결하는 아이디어를 생각해 낸 것은 데미안이었습니다. 이 결정 덕분에 이전에는 도달할 수 없었던 수준의 사운드를 얻을 수 있었습니다. 곧 아코디언(당시 아코디언이라고 불림)은 이미 많은 국가에서 인기를 얻었고, 오스트리아와 독일 품종 사이에 분명한 차이가 있었습니다(밸브 배열 측면에서).

첫 번째 아코디언은 모두 한 줄로 되어 있었고 오른쪽에는 5~10개의 키가 있었고 왼쪽에는 2개의 버튼이 있었습니다. 대부분 7키 악기를 사용했습니다. 털을 풀고 쥐어짜면 같은 키라도 다른 소리가 들린다. 우리 나라의 원래 독일 프로토 타입은 토닉 하모니의 수신을 향상시키는 방식으로 변경되었습니다. 하지만 단일 행 디자인에는 또 다른 심각한 문제가 있었습니다. 반주가 제한되어 있고 무료가 아니어서 러시아 노래를 정상적으로 재생할 수 없었습니다.

상대적으로 좋은 결과를 얻은 일부 개별 개선에도 불구하고 2열 아코디언이 등장한 후에야 근본적으로 개선할 수 있게 되었습니다. 생성된 키의 두 번째 행은 네 번째 높은 소리를 냅니다. 점차적으로 개발자는 마이너 코드와 반음계 사운드를 도입하기 시작했습니다. 왼쪽 키보드의 역학에도주의를 기울였습니다. 고전적인 2열 악기 개발의 정점은 툴라 샘플의 "화환"이었습니다.

새로운 단계는 유채색 2열 디자인의 출현과 관련이 있습니다. 1870년대에 제작되어 나중에 가지가 생겨 결국 버튼 아코디언이 탄생했습니다. Beloborodov의 모델도 개선되었습니다. 최대한 음색을 확장하려고 노력했습니다.

이 기간 동안 생성된 Hegstrom, Mirwald 및 Sterligov 시스템은 1930년까지 활발히 사용되었습니다. 그러나 오늘은 이미 그 단계를 넘어섰습니다.이제 관악기 하모니카의 형식이 완전히 형성되고 간소화되었습니다. 콘서트에서 연주하기 위한 장치는 여러 대규모 공장에서 생산됩니다.

talyanka라는 이름 아래 단일 행 수동 아코디언이 있습니다. 지난 세기에 볼가와 러시아 북부 지역에서 활발히 사용되었습니다. 오른쪽에 이러한 악기에는 12-15개의 길쭉한 키가 있습니다. 왼쪽에는 종소리를 모방한 3-6개의 키가 있습니다. 다른 장소에서 탈양키의 반주에 따라 그들은 노래를 부르고 춤을 출 수 있었습니다.

소리의 밝기와 음색의 깊이에 대해 Nizhny Novgorod 악기의 다양성은 높이 평가됩니다. 이 디자인은 유명한 마스터인 Potekhin 형제에 의해 만들어졌습니다. 몸은 알더로 만들어졌습니다. 그러나 그 외에도 하모니카의 높은 다이내믹 능력은 동일한 수의 언어 모음으로 도입된 오른쪽 키보드의 차용 메커니즘과도 관련이 있습니다.

Nizhny Novgorod 접근 방식은 오른쪽에 보이스 바를 수평으로 배치하는 것으로도 구성됩니다. 이 솔루션을 사용하면 기류가 리드에 직접 작용하여 빠른 사운드 생성을 보장할 수 있습니다. 밸브와 개구부가 상대적으로 작아 게임 중 공기 손실이 최소화됩니다. Nizhny Novgorod 악기는 평소보다 무겁고 두 건반 모두 축소된 스케일로 구별됩니다. 다섯 번째 이후의 음색을 추가하려는 시도는 좋은 결과를 얻지 못했고 4개의 음색이 있는 모델만 존재합니다.

볼로그다 지역에서 키릴로프 아코디언이 시작됩니다. 그들은 약 150년 동안 알려져 왔습니다. 그들은 Volokoslavinskoye 마을에서 만들어졌지만 악기는 다양한 지역에서 폭넓은 인기를 얻었습니다. 키릴 자모 아코디언을 완전히 독특한 방식으로 연주하여 원래 색상을 얻을 수 있습니다.Kirillov의 개념은 공장에서 일반적으로 합판이나 두랄루민으로 만드는 데크를 제외하지 않고 알더의 완전한 생산을 의미합니다. 이 접근 방식은 장치를 더 가볍게 만듭니다.

Liven 시스템은 Tula 프로토타입을 재작업하여 만들었습니다. 처음에는 단일 음성을 제공했습니다. 그러나 Livny에서는 점차적으로 2음성 및 3음성 디자인의 제작을 마스터했습니다. 그러한 도구는 매우 비쌌습니다. 몸의 높이는 너비의 3배입니다. 이제 고급 하모니스트가 적극적으로 사용합니다.

공기 구멍이 작기 때문에 모피는 상당한 수의 주름으로 구별됩니다. 어깨끈은 포함되어 있지 않습니다. 하모니카는 벨로우즈가 움직이는 방향에 관계없이 동일하게 들립니다. 오른쪽 키의 행은 12-18개입니다. 이와는 별도로 아코디언의 Kirov 또는 Vyatka 변형에 대해 이야기할 가치가 있습니다.

이러한 제품의 질량은 4.2kg입니다. 어떤 위치에서도 편안하게 플레이할 수 있습니다. Vyatka 메커니즘은 전체 사운드 출력으로 구별되는 간단하고 안정적입니다. 본체와 공명판은 일반적으로 자작나무로 만들어 탁월한 음색을 낼 수 있습니다. Vyatka 하모니카를 연주할 때 손이 피곤하지 않습니다.

다른 불편함도 없습니다. 소리의 채도 증가에 유의하십시오. 보이스 파트는 특수 열처리를 거칩니다. 이를 통해 활성 재생 중에 높은 볼륨을 보장하고 산화를 방지하며 서비스 수명을 크게 늘릴 수 있습니다. 전체 길이를 따라 데크에 공진기를 단단히 눌러 사운드의 반환을 증가시킵니다.

이것은 약 100년 전에 Nikolai Smyslov에 의해 만들어졌으며 원래 "Severyanka"라고 불렸던 볼로그다 건축물입니다. 악기의 특징은 소리가 모피가 움직이는 방향에 의존하지 않는다는 것입니다.그러나 그러한 솔루션에 대한 요구는 1910년대 중반보다 빠르지 않은 전형적인 것이었다. 세기의 1/3이 끝날 무렵, khromka는 비엔나 및 기타 초기 유형의 온음계 하모니카를 완전히 대체했습니다. 그 리더십은 21세기에도 계속됩니다.

최초의 크롬에는 21키 오른쪽 키보드와 12키 왼쪽 키보드가 있었습니다. 베이스와 코드는 따로따로 갔습니다. 그러나 현대 제조업체는 양쪽에 25개의 키가 있는 모델을 생산하는 것을 선호합니다. 일반적으로 이것은 25x25 방식으로 지정됩니다.

이 이름으로 그들은 멜로디 키보드에 3-6줄의 원형 키와 반주용 키보드에 5-6줄의 키가 있는 반음계 핸드 아코디언을 판매합니다. Bayans는 모스크바에서 Mirwald 하모니카의 디자인을 빌려 약간 개선한 1890년대에 생산되기 시작했습니다. 롤러 메커니즘은 구부러진 레버를 기반으로 한 원래 버전보다 낫습니다. 버튼 아코디언은 Peter Sterligov의 노력 덕분에 크게 향상되었습니다. 모피에서 시작하여 바얀 키보드의 버튼의 수직 레벨 이름을 지정하는 것이 일반적입니다.

베이스 및 코드 버튼 반복은 중요한 역할을 합니다. 오른쪽 키보드의 보조 행도 매우 중요합니다. 이러한 두 가지 결정은 모든 키의 운지 통합과 관련이 있습니다. 오른쪽 아코디언 키보드에는 3 또는 5행이 있을 수 있습니다. 때때로 4열 및 6열 모델이 있습니다.

Marla-carmon은 Mari 음악 전통으로 알려져 있습니다. 이 도구에는 단일 행 구조가 있습니다. 그녀는 7개의 열쇠를 가지고 있습니다. marla-carmon은 Vyatka 아코디언을 기반으로 만들어졌다고 믿어집니다. 스케일은 국가 음악의 특성에 맞게 조정됩니다.그러나 프레임워크 내에서도 점점 더 2열 하모니카와 버튼 아코디언으로 대체되고 있습니다.

Tatar 하모니카도 Vyatka 모델을 기반으로 했습니다. 그것은 12x3 시스템에 구축됩니다. 그 음색은 다른 것과 혼동하기가 매우 어렵습니다. 수년 동안 이러한 도구는 카잔에서 생산되었습니다. 공식 16x12와 2열 koga-carmon을 사용하는 동일한 유형의 모델이 있습니다.

오리엔탈 버튼 아코디언도 카잔에서 만들어집니다. 동양악기에서는 볼 수 없는 반음계로 구별된다. 반주는 표준 아코디언 및 버튼 아코디언과 동일합니다. 초기 버전은 좋지 않은 디자인으로 인해 수명이 짧았습니다. 이스턴 픽 하모니카는 1960년대 초에 시작되었으며 그 이후로 관련성이 폭발적으로 증가했습니다. 일반적인 공식은 27x24 또는 30x30입니다.

다음도 있습니다.

• 전통적인 그루지야 어 하모니카 (19 세기에 등장, 3 가지 유형으로 나뉩니다);

• 단일 행 아코디언 komuz;

• 아디게프샤인;

• 오세티아 철-칸잘-판디르.

Bandoneon은 제작자 G. Banda의 이름을 딴 악기입니다. 우선, 이러한 아코디언 모델은 특정 음악의 연주를 위해 독일 교회에서 사용되었습니다. 19세기 말에 탱고는 아르헨티나에서 널리 퍼졌고 매우 독창적인 사운드를 탱고로 가져왔습니다. 반도네온을 마스터하는 것은 일반 하모니카보다 훨씬 어렵습니다.

아코디언은 또한 일종의 아코디언입니다. 그것은 전형적인 반음계를 가지고 있습니다. 아코디언에는 음색을 변경하는 레지스터가 있습니다. 이를 통해 서로 다른 악기의 사운드를 재현할 수 있습니다. 아코디언의 동적 유연성은 비정상적으로 높습니다. 그는 다음 분야에서 수요가 많습니다.

• 미국;

• 일본;

• 캐나다;

• 독일;

• 스웨덴;

• 대 브리튼 섬;

• 브라질.

콘서트 아코디언의 무게는 최대 15kg입니다. 키보드는 키보드 및 푸시 버튼 유형입니다. 첫 번째 경우에는 피아노 구조가 사용됩니다. 아코디언 크기는 크게 다를 수 있습니다. 아코디언 연주자는 재즈와 댄스 음악을 연주합니다. 피아노, 하프시코드, 오르간 작품까지 연주할 수 있습니다.

기성 화음이 없는 협주곡, 즉 하모니카도 주목할 만하다. 약 1kg의 가벼운 무게로 사용이 간편합니다. 콘체르티나는 클래식 아코디언이 발명된 시기에 영국에서 만들어졌습니다. 이것이 온 가족이라는 점은 주목할 가치가 있습니다. 다른 대표자는 공장과 개인 종사자 모두 다른 국가에서 생산됩니다. 19세기 중반 이후로 디자인 계획은 거의 변경되지 않았습니다.

종종 하모니카는 숫자로 연주됩니다. 코드, 이중음 및 삼중항을 나타냅니다. 탭은 주로 하모니카에 사용되며 수동 하모니카에는 사용되지 않습니다. 악기의 키를 결정하려면 튜너를 사용해야 합니다. 자신의 목소리에 가까운 톤에 집중하는 것이 좋습니다.

인터넷에서 주어진 키로 기성품 소리 모음을 찾을 수 있습니다. 하모니카를 튜닝하려면 엄격한 일정한 공기압이 필요합니다. 소리가 중간 볼륨으로 들리도록 해야 합니다. 공기가 혀를 너무 세게 누르면 진동이 끊어질 수 있습니다.악기의 초기 튜닝에서 정확도는 1/2 반음이어야 하고 책임 있는 연주 전에는 이미 1/32 반음이어야 합니다(이러한 미세 조정을 항상 완료하여 "기계에서" 진행되도록 하는 것이 좋습니다).